El título surge como un juego de palabras ya que la muestra hace referencia al malestar constante que pareciera haber trasformado la realidad en una enfermedad crónica.

¿QUÉ CRITERIOS ESTÉTICOS Y EMOCIONALES GUIARON LA SELECCIÓN DE OBRAS PARA ESTA EXPOSICIÓN?

Diría que el criterio es más narrativo, quería que se sintiera que las obras seleccionadas contaran partes de una misma historia a pesar de la variedad de técnicas y formatos.

¿CÓMO FUE EL PROCESO DE TRABAJO JUNTO A LA CURADORA, NATACHA AVELLANEDA?

Fue una experiencia didáctica y maravillosa; agradezco mucho su curaduría ya que esta es mi primera exposición individual. Al montar una exposición debés pensar en la disposición de las obras, en cómo se relacionan unas con otras, en cómo interactúan con el espacio, en cómo los espectadores transitan el espacio y en todas las sensaciones que experimentan al hacerlo, no lo hubiera podido hacer sin la guía de Natacha.

EN LA MUESTRA HAY UNA FUERTE PRESENCIA DE SÍMBOLOS DE PODER, REPRESIÓN Y DESIGUALDAD. ¿CÓMO DECIDÍS QUÉ IMÁGENES O CONCEPTOS LLEVAR AL PAPEL?

Todo lo que puedo producir como artista está de alguna u otra manera conectado a la realidad, y toda realidad es social y política. Incluso si intentara ser frívolo o tibio el arte terminaría traicionando esas intenciones, el arte reflejaría el espíritu de la época en la cual está atrapado el artista y sus motivaciones. Así que prefiero suscribirme a las palabras de Berni: “El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte”. A través del lenguaje simbólico quiero representar el espíritu de esta época, y si bien hago hincapié en la política actual, por el tiempo cronológico en el que creé las obras a medida que los sucesos se desenvolvían a partir del 2023 hasta hoy, en realidad uso la política actual como un ejemplo para representar aspectos que hoy se agravaron, pero que siempre estuvieron presentes, incluso en las obras de Berni y que por desgracia seguirán estando presentes, pues son aspectos generales del capitalismo.

¿QUÉ ESPERAS QUE EL PÚBLICO SIENTA O PIENSE AL RECORRER LA MUESTRA?

Esperaba trasmitir la sensación agobiante y frustrante que produce el vivir en un mundo que se presenta estancado sin un futuro, una realidad que nos vulnera, un sistema que no solo genera sufrimiento, sino que lo necesita. Me parece necesario reconocer este malestar real, esta angustia real y sus fuentes como primer paso para pensar más allá de los límites y dejar de reproducir esta realidad que nos abruma, por algo esta serie de obras termina en lucha, termina en una figura mirando al horizonte pensando en el futuro.

VOCACIÓN Y TRAYECTORIA

Lejos de una revelación súbita, el camino de Ariel Villafañe hacia el arte fue un proceso lento, casi inadvertido, que se fue afirmando a medida que crecía su curiosidad por la historia, las técnicas y los artistas que lo precedieron. El paso por el ISAC marcó un quiebre personal y formativo, un espacio donde encontró cercanía, impulso y un horizonte posible. De esa construcción gradual también surgió su vínculo con el dibujo y el grabado, lenguajes que lo sedujeron por la potencia del contraste y la austeridad de sus recursos. Sus influencias, desde los grabadores riojanos hasta la marca decisiva de Jorge Ponce, terminaron de delinear una sensibilidad en la que el simbolismo, la narrativa visual y la carga social ocupan un lugar central.

COMENTASTE QUE TU LLEGADA AL ARTE FUE “CASI POR CASUALIDAD”. ¿RECORDÁS EL MOMENTO EXACTO EN QUE SENTISTE QUE HABÍAS ENCONTRADO TU VOCACIÓN? ¿QUÉ REPRESENTÓ PARA VOS EL PASO POR EL PROFESORADO DE ARTE Y COMUNICACIÓN DEL ISAC?

No precisamente; me parece que fue muy gradual, en algún punto me di cuenta que sentía curiosidad genuina por el arte, por su historia, por los artistas, en algún momento la alienación que venía cargando se rompió y me encontré sintiendo satisfacción por aprender aquello que estaba estudiando. Y supongo que tuve suerte de llegar al profesorado de arte ya que no estaba en mis planes; había estado en otras carreras que no funcionaron y el profesorado fue un antes y un después, creo que como institución educativa tenía un ambiente más personal, más cercano.

¿QUÉ TE ATRAJO ESPECÍFICAMENTE DEL DIBUJO Y EL GRABADO COMO MEDIOS EXPRESIVOS?

El dibujo y el grabado están muy relacionados, el contraste, los trazos y sus direcciones, son fundamentales en el grabado, me atrajo el cómo usando recursos tan básicos se podía crear composiciones con mucha fuerza e impacto visual.

¿QUÉ ARTISTAS SENTÍS QUE HAN SIDO UNA INFLUENCIA IMPORTANTE EN TU OBRA?

Admiro a los grabadores riojanos. Nombraría a Pedro Molina y cómo a través de su surrealismo y simbolismo representa tradiciones y mitos populares. Pero sin duda creo que mi mayor influencia fue mi profesor, el artista Jorge Ponce, por sus elaboradas composiciones; son obras para analizar no solo desde lo técnico sino también cargadas de significados, con un enfoque social muy importante, son obras que buscan narrar la historia en el momento a través de símbolos y metáforas.

ESPEJO CRÍTICO Y ESPACIO DE INCOMODIDAD

Para Ariel Villafañe, el arte no es un refugio ni un bálsamo: es un lenguaje que revela tensiones, un modo de exponer las marcas de un sistema que vulnera y precariza. Su obra se construye desde esa convicción, pero también desde emociones que no rehúye —bronca, frustración, desencanto— y que funcionan como motores para interpelar al espectador. El blanco y negro, nacido primero de la necesidad y luego convertido en una decisión estética y política, potencia esa crudeza visual que caracteriza su trabajo. Aunque no cree que el arte pueda transformar el mundo por sí solo, sí reconoce su capacidad para señalar, incomodar y acompañar procesos colectivos de lucha. Su mirada propone un arte que actúa como un espejo incómodo que obliga a pensar en aquello que muchos prefieren no ver.

DECÍS QUE TU OBRA ES “UNA FORMA DE DENUNCIA Y REFLEXIÓN”. ¿SENTÍS QUE EL ARTE TIENE UNA RESPONSABILIDAD POLÍTICA O SOCIAL?

Me parece que la responsabilidad política y social la tenemos nosotros las personas, el arte es solo un medio de expresión un lenguaje para comunicar conceptos, lo que deseás comunicar a través de él, dependerá de cómo los artistas afrontan aquello que los interpela. Yo a través de mi arte ventilo mi sentir por un sistema que me precariza a mí y a mis semejantes.

¿QUÉ ROL JUEGAN LAS EMOCIONES -COMO LA BRONCA, EL DESENCANTO O LA FRUSTRACIÓN- EN TUS CREACIONES?

El arte es un vehículo de empatía; la bronca, el desencanto y la frustración ya están presentes, mis obras solo lo reflejan, y yo espero que los espectadores vean en ese espejo de la realidad las causas de ese malestar. Estas obras no fueron hechas con el propósito de calmar o apaciguar ese malestar, no busco adormecer o entumecer al espectador abrumándolo, sino que la bronca, el desencanto, sean el vehículo para pensar en otras realidades.

TUS OBRAS SUELEN ESTAR EN BLANCO Y NEGRO. ¿ES UNA ELECCIÓN ESTÉTICA, ECONÓMICA O POLÍTICA? ¿QUÉ LE AGREGA ESA PALETA A TU MENSAJE?

En un principio fue una elección económica, por encontrarme en una situación en la que no tenía a mano mayores recursos que papel y tinta, pero también es una elección estética, pues me pareció ideal para representar esta serie de obras, me parece que el contraste de una composición en blanco y negro le agrega más impacto, más fuerza a las figuras que quiero resaltar; además también es una decisión política ya que cuando decido incluir color este se encuentra como referencia, como símbolo de algo.

¿SE PUEDE GENERAR TRANSFORMACIÓN DESDE EL ARTE VISUAL O SE TRATA MÁS DE UNA PROVOCACIÓN SIMBÓLICA?

Ninguna obra, exposición o artista va a trasformar el mundo por si solo. La función del arte como crítica social es poner en evidencia situaciones que el poder o la sociedad eligen tapar o ignorar, y provocar una reflexión, un sentir en el espectador que lo lleve a actuar en consecuencia. Las trasformaciones vienen de la lucha y la resistencia organizada, desde los jubilados marchando en las calles, hasta las movilizaciones y manifestaciones en contra del genocidio en Gaza. Lo que podemos hacer es acompañar esas luchas en las calles, galerías y espacios culturales.

UNA MIRADA SOBRE EL PODER

El trabajo de Ariel Villafañe en torno a la memoria y los derechos humanos no surge como un gesto ocasional, sino como una convicción profunda sobre la responsabilidad que el arte tiene al narrar el pasado y señalar las violencias del presente. Su participación en el “Mural de la Memoria” lo enfrentó al desafío de traducir, colectivamente, una historia dolorosa en imágenes capaces de enseñar y perdurar. Esa misma sensibilidad atraviesa su producción más reciente, donde vuelve sobre temas que lo inquietan desde siempre, pero incorporando nuevas lecturas visuales. La deshumanización, ahora abordada con una crudeza mayor, se convierte en un recurso simbólico para exhibir la degradación de quienes ejercen o justifican la violencia estatal. En sus palabras y en su obra, Villafañe insiste en que recordar es también una forma de resistir.

¿CÓMO FUE TU EXPERIENCIA PARTICIPANDO EN EL MURAL DEL PARQUE DE LA JUVENTUD EN 2023?

Participe del “Mural de la Memoria”, que es parte de “La Rioja de los Murales” como parte del equipo de muralistas de Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Culturas. Fue una experiencia muy importante para mí ya que tuve la oportunidad de participar en la planificación y pude aportar bocetos junto con los demás miembros del equipo. Llegamos a la conclusión de que para representar adecuadamente la consigna “memoria, verdad y justicia” debíamos pensar el mural desde tres partes, una que representara las consecuencias y actos de los represores, otra que representara las manifestaciones y luchas por la justica y una última que representa un desenlace, el encuentro entre las madres con sus hijos y nietos, la condena, desprestigio y repudio a los represores.

¿QUÉ TE MOVILIZA A TRABAJAR SOBRE TEMÁTICAS VINCULADAS A LOS DERECHOS HUMANOS Y LA MEMORIA HISTÓRICA?

El arte cuando trata estas temáticas tiene el rol de enseñar al futuro los sufrimientos del pasado para que nunca se olviden. Eso nos moviliza el saber cuál es el peso que tiene realizar una obra como esta, esa es la razón por la que decidimos realizar el mural en tres partes; era necesario que estuviera presente esa parte que nos permitiera recordar y reflexionar sobre los crímenes cometidos durante la última dictadura cívico-militar, para darle peso a las luchas y a los logros conquistados.

EN “REALIDAD CRÓNICA” RECUPERÁS TEMAS QUE YA HABÍAS TRABAJADO ANTES. ¿QUÉ NUEVOS ELEMENTOS O ENFOQUES INCORPORASTE ESTA VEZ?

Sí, en la exposición uno de los ejes es la dependencia que tienen los gobiernos de las fuerzas represivas, una de las obras realizadas en 2024 se llamó “El deseo de los represores”, y representa esa necesidad perversa por sostener el negacionismo, que nace del hecho de que toda política de hambre programada se sostiene apaleando docentes y jubilados; es tal la necesidad que tienen de ello, que impulsan activamente el negacionismo histórico, para crear un prestigio falso en torno a la figura de los represores, no solo negando y descalificando a las víctimas de la dictadura, presentando sus crímenes de lesa humanidad como “necesarios”, si no también usurpando el heroísmo de los veteranos de Malvinas. Un prestigio construido en base al olvido, al vacío de contenido. Un elemento nuevo que incorporo es la deshumanización, por lo menos en la forma en la que lo abordo ahora; ya lo había trabajado cuando hicimos el mural, en ese entonces elegimos representar a los represores con una estética de soldaditos de juguete, como figuras de acción posando agresivamente, así que los hicimos de esa forma tiesos e irreflexivos, congelados en sus posturas mientras se roban a los bebes o se señalan cobardemente intentando evadir la culpa cuando se dieron cuenta que pagarían las consecuencias. En esta exposición también trabajo la deshumanización, pero desde la bestialidad, de cómo las personas se ven reducidas y enajenadas.

ARTE, MERCADO Y FUTURO

El artista concibe su práctica lejos de las lógicas del mercado y más cerca de la necesidad de provocar conversación, incomodidad y pensamiento crítico. Sostiene que su obra no busca agradar ni decorar, sino señalar aquello que vulnera y moviliza, incluso cuando eso implica quedar por fuera de los cánones comerciales. Desde esa postura, también proyecta sus próximos pasos: llevar su trabajo a otros espacios, explorar nuevas técnicas y abrirse a colaboraciones que expandan su lenguaje visual. Con una mirada optimista sobre la escena local, destaca la energía creativa de los artistas emergentes en La Rioja, aunque advierte la necesidad de políticas públicas que acerquen el arte a la comunidad y fortalezcan ese potencial en crecimiento.

MENCIONÁS QUE NO TE INTERESA TANTO VENDER COMO GENERAR CIRCULACIÓN Y DEBATE. ¿CÓMO CONCEBÍS LA RELACIÓN ENTRE ARTE Y MERCADO?

En mi caso el vender una obra no es el objetivo con el que pensé esta serie, no es un arte comercial, no son obras decorativas o apacibles, tampoco quería apropiarme de una estética ‘dark’ con el propósito de agradar a un público determinado, quería un arte contestatario que trasgreda, que le recordara al público que está siendo vulnerados y que ese sentir incite a la reflexión. Por eso digo que el vender una obra en este caso es algo que está en segundo o tercer plano, lo que importa es que las obras sean vistas. No estoy en contra de que artistas quieran vender sus obras y que su arte sea valorado adecuadamente, de hecho, muchos artistas realizan arte comercial para sobrevivir, mientras preparan obras personales cargadas de significados que solo responden a su creatividad. El problema surge cuando el mercado se convierte en un limitante, en el criterio principal para pensar una obra.

¿QUÉ PROYECTOS SE VIENEN DESPUÉS DE ESTA MUESTRA? ¿HAY ALGUNA TEMÁTICA, TÉCNICA O COLABORACIÓN QUE QUIERAS EXPLORAR?

Me interesa presentar esta exposición como proyecto en otros espacios, para que circule y colaborar con otros artistas, en especial quienes hacen preformas y material audiovisual. Pero en lo que respecta a crear nuevas obras, me interesa explorar el color y salir de los formatos clásicos, quizás componer obras con múltiples imágenes o experimentar más con el grabado en gran formato, quizás utilizar la propia matriz de xilografía tallada en madera como obra. Quisiera también tratar temáticas más personales sin dejar de lado lo social.

¿CÓMO VES EL PANORAMA ACTUAL PARA LOS ARTISTAS EMERGENTES EN LA RIOJA Y EN EL PAÍS?

Prometedor. En la Rioja tenemos mucho potencial, tenemos muchos artistas jóvenes por el Polivalente, el Profesorado de Arte y la Universidad, tenemos una comunidad artística con mucha iniciativa, lo que nos hace falta es tener políticas que acerquen a la comunidad general al arte.

Ariel Villafañe piensa y habita el arte como un territorio donde se cruzan la memoria, la crítica y la sensibilidad social. Su obra nace de una incomodidad persistente ante un presente que vulnera y desgasta, pero también de una convicción profunda en la potencia de los símbolos para nombrar lo que incomoda y para abrir discusiones necesarias. Con una mirada que rehúye la tibieza, Villafañe elige trabajar desde el contraste -estético, político y emocional- para exponer aquello que muchos prefieren no ver. Su apuesta no apunta a la complacencia ni al mercado, sino a generar pensamiento, a agitar preguntas, a acompañar luchas que exceden al arte y que lo atraviesan en cada trazo. En un tiempo en que la bronca y el desencanto parecen volverse lengua común, su producción ofrece un espejo áspero que obliga a mirar de nuevo: no para resignarse, sino para comprender, recordar y, quizás, imaginar alternativas. En esa persistencia incómoda radica su aporte: un arte que no calma, pero sí convoca.